¿Cuáles son las claves para conseguir un sonido de piano realista?

«Para mí la clave fundamental para conseguir un sonido realista de piano es precisamente, haber escuchado muchísimas horas de grabaciones de pianos reales y si tuvieras la oportunidad de sentarte delante de distintos tipos de piano y experimentar con ellos, mucho mejor.

El piano es un instrumento muy complejo en cuanto a las relaciones armónicas que ocurren en su interior, afortunadamente contamos con muchas librerías de pianos que emulan bastante bien estas relaciones. Pero por descontado, el sonido de un piano no lo es todo para llegar a impactar a un oyente, otros elementos como el contenido y la interpretación juegan papeles fundamentales.

Un método con el que habitualmente logro obtener contenidos que me gustan, es sentarme con mi teclado midi y bajo metrónomo, comienzo a improvisar en una determinada tonalidad. Tras varios minutos de improvisación, edito las partes que considero que podrían tener más impacto y trato de construir frases con ellas. Después de esto, tengo la oportunidad de hacer correcciones de ritmo y melodías, hacer variaciones sobre frases o incluso sobrescribir la pista midi con segundas voces o acompañamientos.

Un error común cuando escribes sobre una pista midi es crear contenido humanamente imposible de tocar. Un ejemplo un tanto absurdo sobre esto sería escribir un acorde de 11 notas cuando por lo general, tenemos solo 10 dedos. Por último, un aspecto que considero muy importante a la hora de “programar” una línea de piano es añadir “expresión” en cada frase, puede lograrse expresión mediante dos factores:

Dinámica y cuantización.

La dinámica sería la relación de volumen entre las notas que componen una frase. Por fortuna, los pianos virtuales disponen de un amplísimo rango dinámico en cuanto a la expresión más débil y más fuerte de una nota, algo que deberíamos tener muy presente. Es común escuchar en EDM líneas de piano que se mantienen en un solo punto de ese rango dinámico, es decir, suenan todas las notas del piano al mismo volumen. Puedes escuchar esto en la mayoría de los acompañamientos de piano que Avicci escribía en sus estribillos. No digo que esté mal, pero para el propósito que buscamos, es decir, sonar realistas, deberíamos huir de esta práctica.

Por otra parte, la cuantización es ajustar las notas en la rejilla de tiempo del proyecto de tu DAW.

Si queremos sonar realistas, debemos tener en consideración que cualquier pianista, por profesional que sea, nunca va a realizar una ejecución 100% perfecta al tempo de una canción, o bien por que no es algo deseable en la interpretación de una pieza, o bien porque puede resultar imposible. Todos los DAW´s ofrecen la opción de eliminar la rejilla para mover libremente las notas en la línea de tiempo de una pista midi. Aprovecha esta opción para poder desplazar las notas fuera de la rejilla de tal modo que comience a sonar imperfecto, pero a su vez, más humano y, por consiguiente, más estético»

¿Si sólo pudieras contar con un plugin de piano, cuál sería?

«He probado algunas librerías de piano utilizando el plugin Kontakt, y aunque uso todas las que puedo, hay una en particular que me encanta. Esta librería se llama Una Corda, y es la grabación de un piano de pared preparado. Un piano preparado es un piano al que se le han añadido múltiples artefactos para lograr una textura concreta. En el caso de Una Corda, la preparación está realizada con distintos tipos de fieltros sobre las cuerdas, por lo que cada nota tiende a sonar con una personalidad propia. Además, esta librería te ofrece varios ruidos de grabación que emulan cintas, ambientes y micrófonos sonando de manera infinita siempre que tengas el plugin activado. Esto puede resultarte muy útil si te gustan este tipo de texturas»

¿Qué teclados MIDI recomiendas para producir música, y si los ves realmente necesarios?

«He tenido distintos teclados midi a lo largo de mi vida e incluso tengo un piano eléctrico con 88 teclas contrapesadas que actualmente estoy pensando en vender por lo grande que es y el poco uso que le doy. Mi teclado maestro es muy sencillo, tiene 61 teclas no contrapesadas y ningún tipo control como knobs o faders. Lo compré precisamente porque me pareció elegante. No me veo capaz de recomendar un teclado midi concreto, entiendo que la mayoría de ellos cumplen su función, lo único para tener en cuenta sería el tamaño y si lo quieres contrapesado o no. Tampoco los considero absolutamente necesarios, Deadmau5 por ejemplo, es conocido por sus líneas armónicas pianísticas, las cuales considero que son geniales y están totalmente programadas sin haber utilizado ningún tipo de controlador, solo su ratón y conocimiento armónico«

¿En qué artistas te sueles inspirar para componer tus obras?

«Si tuviera que crear una categoría de artistas en los que me inspiro, podría llamarse “los que se salen de las tendencias”. Me considero un investigador que va siempre en busca de encontrar nuevos sonidos, nuevos conceptos artísticos y contenidos que se salen un poco de las grandes tendencias. Por citar algunos ejemplos que recomendaría en caso de que no los conocieras, podrían ser Ólafur Arnalds en solitario, o en su vertiente más electrónica con Kiasmos. Rival Consoles, que hace maravillosos paisajes sonoros con instrumentación analógica. David August, que, aunque podría clasificarse dentro del Deep House o Melodic Techno, tiene algunas canciones que se escapan de la norma del género y tienen producciones de una altísima calidad. Bonobo, que para para mi marcó un antes y un después en cuanto a música “Deep”, se refiere. Shigeto, es un multi – instrumentista muy cercano al jazz que hace autenticas virguerías sonoras totalmente libres del peso de las tendencias. Tennyson, es un chico que considero uno de los mayores genios de la producción de música electrónica actual, te ofrece en cada canción viajes enormemente sorprendentes. Skrillex en su álbum Recess, puedes encontrar verdaderas joyas que se escapan incluso de su propio género. Por supuesto, clásicos como Debussy, Rachmaninnof, o contemporáneos como Yann Tiersen, Ludovico Einaudi. Compositores de bandas sonoras como Thomas Newman, James Horner, Hans Zimmer… En fin, la lista no es infinita, pero si es bastante extensa»

¿Qué Plugins sueles usar durante la mezcla?

¿Qué es masterizar?

Masterizar es hacer “maestro” un archivo sonoro capaz de “sonar bien” en cualquier medio de reproducción, y hoy en día debemos incluir también la coletilla de “sonar bien” en cualquier formato de audio. Lamentablemente, la idea de “sonar bien”, pone un pie dentro del universo de lo subjetivo ya que, al igual que los colores, para gustos, también está el sonido.

Sin embargo, existe una gran tendencia a presuponer que aquellas canciones que escuchamos a mayor volumen, vamos a percibirlas también como las mejores, Aunque quizá no sea tanto presuponer.

Experimentalmente existen datos que revelan que aquellas músicas escuchadas a mayores volúmenes son realmente percibidas como mejores.

¿Cómo traducir esto al mundo de la producción musical?, muy fácil, lo que vamos a querer es que nuestras canciones se perciban con el mayor volumen posible.

Consejos de mastering

Puedes imaginarte como ingeniero de mástering en tu amplio estudio esperando nuevos clientes con los que trabajar. De todos ellos, probablemente el 90% te dirán que lo que quieren es sonar como tal artista. Buscas la referencia y efectivamente, suena alto de narices, analizas el archivo de audio y resulta ser una enorme barra negra donde a duras penas vas a poder ver picos y valles. Así que te pones al lío con tu cadena básica de mástering:

Primero, haces desaparecer todo lo que haya por debajo de 30 hz con tu ecualizador. También deberíamos eliminar todo lo que quede por 16.000 hz con vistas a que probablemente, la canción vaya a ser reproducida en formato .MP3 (en el mejor de los casos) y ya tenemos margen para empezar a subir el volumen dado que nos hemos deshecho de buena parte de la información inaudible.

Activamos nuestro compresor de turno y empezamos a bajar el umbral hasta que nuestra aguja empieza a bailar con los picos naturales de la canción. Bien, esto quiere decir que ya estamos comprimiendo, o dicho de otro modo, estamos haciendo desaparecer aquellos picos naturales que tenía el tema. Y continuamos comprimiendo hasta el punto donde sin dejar de percibir la totalidad de la canción, hemos reducido todo lo posible su volumen inicial. Estamos ahora listos para llevar nuestro audio a un volumen estratosférico.

Activamos nuestro limitador/maximizador y alzamos el volumen hasta llegar a nuestro límite como ingenieros de mástering, esto es: los cero decibelios digitales. Todo aquello que ose superar los cero decibelios provocará la temida distorsión digital, lo cual es como subirse a un bordillo en un examen de conducir, es decir, nadie te va a dar el aprobado.

En resumen, llegas a tu cliente con tu trabajo realizado el cual se parece bastante en volumen a la referencia que te indicó y voilà, le parece estupendo. Lo que él no sabe es que aquello que tú le entregas se parece como un huevo a una castaña a la canción que él hizo en su momento.
Como dije, un 90% de clientes te pedirían esto como ingeniero de mástering, sin embargo, habrá un tímido 10% que lo que te va a pedir es otra cosa bien distinta: “sonar realmente bien”

Un músico y/o productor confiado en su obra, experimentado, que sabe lo que se hace siempre va a querer sonar alto, por supuesto, pero también va a pedirte sonar natural. Es decir, te pedirá que respetes las dinámicas, picos y valles del tema, que suene sólido y con consistencia; y aquí la película es muy distinta.

El título del artículo es un título trampa, siento decirte. El mástering no lo es todo, masterizar para mí, es como iluminar un cuadro en un museo. Para que se aprecie bien, debes respetar toda la gama cromática que lo compone, debe reflejar bien los trazados de los pinceles, debe ayudar a percibirse como el todo que ya es y nunca distorsionarlo. Pero claro, si quieres ensalzar una obra debes preocuparte mucho durante su creación para dejarlo bonito y no esperar que esa luz disimule tus errores porque ocurrirá todo lo contrario.

En resumen, si resulta que eres tú el músico, el ingeniero de mezcla y el ingeniero de mástering, vas a tener que prestar atención de mayor a menor. Créeme, cuanto más trabajes tu música, tendrás que trabajar menos tu mezcla, y cuanto más trabajes tu mezcla, menos trabajaras tu mastering, y esto señores, debería ser una regla universal que tendréis de grabar a fuego en vuestras cabezas, ya sea porque os lo digo yo, o bien porque la experiencia os lo demuestre.

Adrián Márquez, melómano y auidiófilo, estudié psicología y piano en conservatorio. Dedicado en alma a la producción e investigación musical. En cuerpo y mente me dedico a algo que por suerte, paga mis facturas. Puedes escucharme en Youtube y verme en Instagram buscándome como Adrikitown